En esta entrada os mostramos la entrevista que hemos realizado a Carlos Salas González, autor del libro publicado en la colección editum artes, Pinceladas de cine. Influencias cinematográficas en las artes plásticas vanguardistas que fue presentado en septiembre del pasado año en el Campus de la Merced. La obra es un estudio acerca de las influencias que las artes plásticas del siglo XX recibieron del cine, ese nuevo medio de representación visual que apenas contaba con unos años de historia. El autor desarrolla un análisis formal y comparativo que abarca un notable número de obras, autores y movimientos artísticos, tanto del ámbito plástico como del cinematográfico , ejemplos que sirven para reflejar dichas relaciones interdisciplinares.
Pregunta: ¿De dónde proviene su fascinación por el mundo del arte? ¿Podría hablarnos sobre su experiencia profesional?
Respuesta: Siempre me atrajo el arte, desde niño. Pero mi interés por estudiarlo nace de cursar la asignatura de Hª del Arte en mi último año de Bachillerato, con un profesor excepcional.
Respecto a mi experiencia profesional debo destacar que soy actualmente profesor tanto en la Universidad de Murcia como en la Escuela de Arte de Murcia.
P: ¿Qué le motivó a realizar el análisis sobre obras de autores de nacionalidades diversas, involucrados en movimientos de vanguardia heterogéneos y, en algunos casos, incluso en disciplinas artísticas diferentes? Este hecho, ¿hace que la elaboración de este libro haya sido mucho más costosa?
R: Todo surge del tema de mi tesis doctoral. Allí fue donde observé que no existían las vanguardias “puras”, que cada movimiento estaba relacionado con otro. Y también que aquellos artistas eran multidisciplinares. De ahí la necesidad de abarcar tanto y tan diverso.
P: ¿A quién va dirigido este libro?
R: A cualquier persona interesada en cine y arte del siglo XX.
P: ¿Qué aporta Pinceladas de cine al estudio de la historia del arte?
R: El tema de la influencia de la pintura en el cine sí es más frecuente como objeto de estudio desde los años ochenta, pero el de la influencia del cine en la pintura apenas ha tenido recorrido más allá de algunos artículos especializados. Este libro creo que ayuda, aunque sea parcialmente, a ir llenado ese hueco.
P: ¿Por qué algunos miembros del movimiento futurista como su principal exponente, Umberto Boccioni, consideraban el calificativo “cinematógrafo” casi como un insulto?
R: No deja de ser una paradoja, ya que ellos eran los primeros fascinados por la máquina y el movimiento. También los artistas del XIX, salvo contadas excepciones, abominaron de la fotografía.
P: En su libro aparece una afirmación de La Mettrie en la que indica que “los cuerpos se mueven porque tienen el principio de movimiento en sí mismos, de lo que se concluye por lo anteriormente dicho, que si el fin del hombre es la felicidad, esta solo se consigue por el movimiento. ¿Está usted de acuerdo? ¿Por qué?
R: Es una frase sorprendente. Y más si pensamos que es de un hombre del XVIII. En ella está la cuestión del movimiento ligado al maquinismo, pero entiendo que quiere ir más allá, en el sentido de que solo aquel que avanza en su vida, que no se detiene, será capaz de alcanzar la felicidad. Estoy de acuerdo.
P: ¿Por qué tuvo tanto éxito el color azul entre los artistas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX?
R: Es curioso. Es algo que va desde la literatura a la pintura. Pero la influencia cinematográfica sobre ésta respecto al azul es en cuanto a la forma de emplearlo. Como una veladura que cubre todo el lienzo, generando una imagen cromáticamente similar a la de un fotograma virado en ese color.
P: ¿Entiende que haya gente que se cuestione por qué la obra “Cuadrado negro” de Malévich tuvo un papel tan importante en la pintura moderna cuando, aparentemente, solo se trata de un cuadrado blanco en cuyo interior se ubica un cuadrado negro de menor tamaño?
R: Claro que lo entiendo. Pero hay que situarse hace cien años y entender esa pieza en el conjunto de la obra del artista. Malevich fue un grande, pero los que hoy siguen haciendo cuadrados negros o similares, en la mayor parte, creo que son unos impostores, aupados por ciertos especialistas y críticos.
P: Riccioto Canudo denominó al cine como el “séptimo arte”, ¿usted piensa que actualmente el cine sigue siendo un arte o un negocio de la industria cinematográfica?
R: Siempre ha habido cine que es arte y cine que no lo es. No siempre la intención de alguien que hace una película es crear una obra de arte, a veces pretende solo entretener. Eso también es respetable. Las películas de Mariano Ozores, por ejemplo. Lo malo es cuando un director con pretensiones en lugar de una obra de valor artístico hace un bodrio.
P: ¿Considera que los videojuegos son un arte?
R: No es fácil responder de forma tajante. Desde luego existe una creatividad en quien los realiza. Supongo que pasará como con el cine: algunos serán realizados con mayor ambición artística y otros no.
P: Si tuviese que escoger una película de Georges Méliès, ¿con cuál se quedaría? ¿Por qué?
R: Desde luego, Viaje a luna es la más conocida e influyente del cineasta. Es una maravilla, capaz de generar una de esas imágenes icónicas del cine, la del rostro lunar con el cohete incrustado en el ojo. Pero hay otras aún más sencillas pero también magníficas, por ejemplo, las varias protagonizadas por cabezas (la del propio Méliès, además) que crecen hasta explotar, que aparecen y desaparecen o que se elevan hacia un pentagrama gigante. Pura fantasía humorística y preclaro precedente del surrealismo.
P: ¿Cree que en un futuro no muy lejano puede surgir un nuevo arte que, al igual que ha hecho el cine, influya en las artes plásticas tal y como las conocemos actualmente?
R: Seguro que sí. El progreso técnico puesto al servicio de la creatividad humana es algo que probablemente no tenga límites.
P: ¿Qué nuevos proyectos tiene en mente?
R: Sigo impartiendo clases, participando en cursos, dando conferencias y, por supuesto, escribiendo. Tengo prácticamente terminado otro libro relacionado con Pinceladas de cine. Espero que pronto pueda salir a la luz.
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